ネイティブアメリカンをはじめとする先住民らによるグラフィックアートを紹介する作品集。2026年9月から2027年2月にかけてニューヨークの「ポスター・ハウス（Poster House）」で開催された展覧会に伴い刊行された。

デザイン史には問題がある。先住民は、数千年にわたり、形態、機能、コミュニケーション、意味をめぐる決定を重ねてきた。にもかかわらず、正史とされるデザインの歴史は、その存在を素通りしてきた。神話の作り手やマーケティングチームは、長らくグラフィックデザインを用いて、ネイティブ・アメリカン、ファースト・ネーションズ、メティス、アラスカ先住民、そのほかの先住民について、当事者とともに語るのではなく、当事者について物語を語ってきた。その結果、生き生きとして、活力に満ちた、多様な人びとを、単純化された有害な表象に押し込めてきたのである。

しかし、先住民のグラフィックアートには豊かな歴史があり、その担い手が、躍動的で、既存の枠組みを揺さぶる、楽観的な作品を生み出してきた革新者であることを示している。ポスター、デジタルフォント、ステンシルを施した車といった現代のグラフィック表現は、先住民の伝統的な陶芸、織物、絵画と交わり合っている。本書は、200年近くにわたる、80を超える部族と国家を代表する事例を紹介する。そこで浮かび上がるのは、支配的な植民地主義の語りの一方でそれに抗って存在し続けてきたデザインの歴史である。本書はその歴史を明らかにし、讃えることで、先住民の暮らしのあらゆる側面を描き出す。

Design history has a problem. Native American and Indigenous peoples have been making decisions about form, function, communication and meaning for millennia—and the canon has looked right through them. Mythmakers and marketing teams have long used graphic design to tell stories about Native Americans, First Nations, Métis, Alaska Natives and other Indigenous peoples rather than with them, creating reductive and harmful representations of a living, vibrant and varied group of people.

Yet Native graphic art has a rich history that shows that its practitioners are innovators who have created dynamic, subversive and optimistic work. Modern graphic expressions such as posters, digital fonts and even stenciled cars intertwine with traditional Indigenous pottery, weavings and paintings. Through examples spanning nearly two centuries and representing over 80 tribes and nations, Designed to Be Red reveals and celebrates design histories that have always existed alongside, despite and in resistance to dominant colonial narratives, illustrating the full spectrum of Native life.