1984年から2017年にかけて発行された代表的なアート雑誌『パルケット（PARKETT）』の第66号。

カナダ人アーティスト、アンジェラ・ブロック（Angela Bulloch）、フランス人アーティスト、ダニエル・ビュラン（Daniel Buren）、ピエール・ユイグ（Pierre Huyghe）の3人を特集する。

本書は、空間を逍遥することへの招待状として読むことができる一冊である。三者は、貫通、伸長、占有といった行為を示唆する作品を通じて、未踏の可能性を探っている。異例の穿孔が施されたいくつかのページは、ビュレンによる最新の建築的介入を明確に反響させるものでもある。しかし、絵画、彫刻、建築、あるいは抽象とフィクションといったカテゴリーは固定性を失い、曖昧さや重なり、さらには転位のなかへと溶解していく。その過程は、ダニエル・ビュレンとピエール・ユイグによる対話のなかで分析されている。

本号に収録された別の対話では、批評家のサーザ・ニコルズ・グッドイヴ（Thyrza Nichols Goodeve）と、『Atlas of Emotion』（2007年、VERSO BOOKS刊）の著者である、視覚文化と空間理論の研究者ジュリアーナ・ブルーノ（Giuliana Bruno）が、感情と空間の関係をめぐる研究や、「視線の光学的パラダイム」の拘束から逃れることについて議論している。単一で静的な視点の拒否は、介入が行われる場に刻印された制度性を露わにするという明確な目的をもつダニエル・ビュレンの制作の核心でもある。1960年代後半以降、ダニエル・ビュレンは一貫し、特定の場所に即した作品を展開してきたが、その方法は、与えられた場に対して、微細で、時に享楽的とも言える変容をもたらしてきた。

本協働にあたり、ダニエル・ビュレンは刺繍されたロゴから着想を得て、「刺繍の技法（De la broderie à la dentelle）」と題された特別なインサートと、本書のためのレーザーカットによるテーブルクロスを制作した。いずれも、幅8.7cmのストライプという標準フォーマットが用いられている。2002年夏に「ジョルジュ・ポンピドゥー国立美術文化センター（Centre national d’art et de culture Georges Pompidou)、以下ポンピドゥー・センター）」で開催された壮観とも表現できる展覧会の空間効果と色彩は、アリソン・ジンゲラス（Alison Gingeras）が論考で擁護する「戦略としての装飾」における「視覚的快楽」に応答するものであり、同論考では、ダニエル・ビュレンのミュージアムが「直線的あるいはデカルト的論理の独断に代わり、遊び心に満ちた思索が立ち現れる場」であると記されている。

部屋とは、実際のところ、語られざる視点が試されうる場所であり、ときに「ブレゲンツ美術館（Kunsthaus Bregenz）」におけるピエール・ユイグの「無知の領域の発明（the invention of a no-knowledge zone）」をめぐる詩的探求のように、未知の領域へと踏み込むこともある。そこで提示される作品は、音、光、蒸気、氷、冷気、匂い、文学的・音楽的参照、加工された引用から成り立っている。

ピエール・ユイグとフィリップ・パレーノ（Philippe Parreno）を中心に構想されたプロジェクト「アンリー（Annlee）」の映像では、月面に降り立った後の宇宙飛行士ニール・アームストロング（Neil Armstrong）の声が伝えられると、その音声のダイアグラムは起伏のある山並みを形づくり、思索にふけりながら歩くアニメーションの人物像を取り囲む。

アンジェラ・ブロックの制作においてもまた、芸術のもつ古い幻影的側面は、現実の幻想的な舞台装置によって曖昧にされ、変容を遂げている。批評家のマルティン・プリンツホルン（Martin Prinzhorn）は論考「The Simulation of Simulation」において、反転を通じて素材が興味深い幻影効果を生み出す過程を示している。ブロックの「TECHNICOLOUR」は映画の歴史を喚起し、意味の還元と拡張は、容易には到達しえない無限の領域へと開かれていく。ピクセル・ボックスでは、3本の色光ロッドが、1600万色に及ぶ色彩を生成しうる。

ピエール・ユイグは、「Edition for Parkett」として、レディメイドではないウィンドチャイムを制作した。数多くの偶発的な音の連なりのなかに潜む馴染み深い旋律が、ふと記憶を呼び起こすことがあるとしても、この作品は、あらゆる別様の知覚に向けて開かれている。

This volume of Parkett may be taken as an invitation to roam through space: Angela Bulloch, Daniel Buren and Pierre Huyghe  probe unexplored potential in works of art that betoken acts of  piercing, stretching and occupation. Even some of the pages themselves,  with their unusual perforations, explicitly echo Buren’s most recent  architectural interventions. Yet categories like painting, sculpture and  architecture, or abstraction and fiction are losing their fixity,  dissolving in ambiguities, overlappings and also displacement, as  analyzed in the conversation between Daniel Buren and Pierre Huyghe.

In another conversation in this issue, Thyrza Nichols Goodeve and Giuliana Bruno, author of Atlas of Emotion,  discuss the writer’s study of the relationship between affect and  space, and escaping the strictures of “the optic paradigm of the gaze.”  The rejection of singular and static viewpoints (Anne Rorimer) is also  at the core of Daniel Buren’s art, with its visible  goal of exposing the institutionality that marks the sites of his  interventions. Buren has developed his work exclusively in situ since  the late 1960s, a method that leads to subtle and at times sybaritic  transformations of the sites at his disposal.

For his collaboration with Parkett, Buren took inspiration  from our embroidered logo to design a special INSERT titled, “De la  broderie à la dentelle,” and a laser-cut tablecloth for his “Edition for  Parkett,” both using the standard 8.7 cm format of his stripes. The  spatial effects and colors of his spectacular exhibition at the Centre  Pompidou last summer address the “visual pleasure” of the “decorative as  strategy” that Alison Gingeras defends in her essay; she describes  Buren’s museum as a place where “playful speculation replaces the  dogmatism of any linear or Cartesian logic.”

Rooms are, indeed, places in which untold points of view can be tested, sometimes reaching into terra incognita as in Pierre Huyghe’s  poetic quest for “the invention of a no-knowledge zone” at the  Kunsthaus Bregenz. The works consist of sound, light, steam, ice, cold,  smells, literary and musical references, and processed quotations.

When the video of the collective Annlee project transmits the voice  of Neil Armstrong after he set foot on the moon, the sound diagram of  the astronaut’s voice forms the undulating range of mountains through  which the cartoon figure seems to be walking, lost in thought.

The old, illusionist aspects of art have been blurred and transformed by fantastic set pieces of reality in Angela Bulloch’s  oeuvre as well. In his essay “The Simulation of Simulation,” Martin  Prinzhorn shows how, through inversion, source materials lead to  interesting illusionist effects. Bulloch’s TECHNICOLOUR evokes the  history of movies. Reduction and extension of meaning open out into  illimitable realms that elude easy accessibility: in Bulloch’s pixel  boxes, three rods of colored light are capable of generating no less  than sixteen million colors.

Pierre Huyghe has created a windchime as his “Edition for Parkett ”  that is not a readymade. Although a familiar tune, hidden away in the  many accidental sequences of sound, may “ring a bell,” the work remains  open to all other possible perceptions.